¿Hay dos fotografías?

¿Por qué se llegó a hablar de fotografía digital?

Fotografía analógica y fotografía digital son dos formas aceptadas para referirse a la fotografía. Ahora bien, la pregunta no tiene respuesta sino dentro de una imposición desacertada desde la lógica de la electrónica. En los sistemas de numeración se combinan dígitos para representar distintos números. El nombre dígito proviene del latín dígitus: dedo, porque el sistema decimal (en base 10) se basó en los 10 dedos de las manos, entonces se utilizan 10 dígitos decimales: desde el 0 hasta el 9. Un sistema más simple y utilizado en informática es el binario de solo dos dígitos, generalmente 0 y 1, porque puede representar más fácilmente estados como: false y true, off y on o bajo y alto, entre otros, llamados discretos. Entonces, por medio de un valor eléctrico (voltaje) se simplifica en un no hay voltaje o hay voltaje para expresar esos estados ¿Por qué discretos? Porque se diferencian de los sistemas analógicos que consideran rangos continuos de valores, señales, como la luz misma.

Pensado matemáticamente:

Binario-Decimal

Ejemplo de ambos sistemas “numéricos”.

El sistema numérico no determina nada fuera del mundo de lo
matemático, la imagen formada por sales de plata –la llamada analógica– es
fotográfica por su misma génesis. La imagen en soporte numérico –ahora digital–
se refiere a una elección del mundo de la informática y binaria por lo usual en
lo informático.

Lo único que diferencia a uno y otro tipo de fotografía es todo lo que sucede luego de que la luz llega a la emulsión fotosensible o al sensor eléctrico, dando como resultado una imagen latente sobre la primera y una información eléctrica en el segundo. Mientras que la imagen latente de la emulsión fotosensible es alteración química de metales en estado de sal, los valores eléctricos generados por el sensor necesitan ser almacenados en sistemas de tablas numéricas en una memoria electrónica interna, que necesita de alimentación eléctrica, y luego almacenarse en una memoria no volátil (la información se guarda aunque se interrumpa la alimentación eléctrica) llamada habitualmente tarjeta.

A partir de aquí ambas imágenes deben ser reveladas para hacerse visibles, sobre la emulsión misma en un caso y por medio de un procesador y un software en el otro. El término revelado digital es tomado prestado por analogía aunque se trate de un procesado -informático- en realidad.

Intentando profundizar en temas que suelen dividir la luz y
sus fenómenos de lo que podemos constatar visualmente en una “pantalla” de
cámara u ordenador.

fotografia en pelicula
Película Ilford HP5 a ISO 800 revelado con Ilford ILFOTEC HC 1+31; 9,5 min. a 20ºC. Escaneado directo (escaner doméstico) de positivo 18×24 cm sobre papel Ilford MGIV revelado con Ilford MG 1+9. (copia de evaluación)
© 1994 Daniel Medina.

Una fotografía llamada “analógica” no puede ser descompuesta matemáticamente y solo responde a su génesis físico/química, tanto en el soporte original directo –película positiva– como en su intermediario –negativo/positivo– copiado.

Sigamos pensando.

Sobre cursos de fotografía profesional

Dudas sobre el aprendizaje de la fotografía que perduran.

Daniel Medina - Fotografia

Todo lo que se puede aprender es hoy accesible

Internet es la gran red de información en todos los campos del saber y crece incesantemente. Pero ¿tal crecimiento en cantidad lo es en calidad? No, al punto que es más probable encontrar con facilidad verdaderos disparates –copiados y pegados– como leyes del saber fotográfico que serios conocimientos puestos a disposición de todos, pero estos últimos existen a condición de que se los busque adecuadamente.

¿Y dónde se encuentran?

Cuando pensamos en adquirir conocimientos serios sobre un tema o campo de interés, las mejores fuentes son las instituciones y organismos relacionados al tema en cuestión; información técnica de fabricantes de dispositivos y productos, institutos normalizadores (como ISO, ANSI, IEC, ICC, etc). En el caso de la fotografía son fuentes de primera mano. Toda fuente de de otro tipo puede incluir errores conceptuales (este mismo blog por ejemplo), tanto más cuanto más esté orientada a un fin distinto del que nos…

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Lo que el mercado laboral exige de un profesional | FOP

Notas de blog.foponline.org

Por Alfredo Willimburgh

Estamos insertos en un mercado siempre cambiante, exigente y que demanda resultados definitivos, en el menor tiempo posible, con la mejor calidad y al menor costo. Esto nos obliga a tener una capacidad de respuesta – ser responsables, prácticos y seguros- para cumplir con la encomienda del cliente.

La creatividad y la capacidad de resolución de los problemas de producción, realización, etc., son claves determinantes para sobrevivir en el mercado de la FOTOGRAFIA PUBLICITARIA.

Estar al tanto de lo que se produce en otros ámbitos de la publicidad y producción de imágenes, nos irá aggiornando de las nuevas tendencias, en especial a lo que se refiere a técnicas y estilos.

Aquí la creatividad encontrará una fuente de inspiración a nuevas formar y procedimientos, pero inexcusablemente no se caerá en burdas y deshonestas copias. Defectos estos fácilmente detectable en el ámbito donde actuaremos profesionalmente.

Visión de futuro y exigencia de capacitación

Lo expuesto nos lleva como docentes, a poner en manos de los alumnos, luz para desarrollar su capacidad técnica y creativa. Poner a su alcance los conocimientos necesarios para que saquen el máximo provecho de su formación académica para una praxis impecable.

La creciente incorporación de Fotógrafos Publicitarios al ámbito de la Publicidad implica una jerarquización tanto técnica como creativa.

La importancia entonces de estimular el orgullo y el entusiasmo hacia la profesión, es vital para lograr una formación integral del alumno que se destaque en el mercado, y que tenga sed de conocimientos para perfeccionarse a través del ejercicio de su carrera.

El currículo de los nuevos profesionales de la Fotografía, hará valer honrosamente sus capacidades para desarrollar trabajos y obras de excelencias, producto de sus esfuerzos y dedicación.

La excelencia técnica y las nuevas herramientas

Años atrás, se contaba con aparatosas estructuras que demandaban espacios de dedicación exclusiva que hoy se ven reducidas a un ordenador personal con unos cuantos periféricos y programas, que llevan a un cambio en la metodología de trabajo, para optimizar costos y tiempos de resolución de pedidos, pero que de ninguna manera reemplazan el conocimiento de las técnicas básicas. Cuando más se conoce el génesis de los fenómenos y procesos que hacen a la fotografía, más comprenderemos y más fácil nos resultará el manejo de las nuevas herramientas digitales para producir imágenes fotográficas.

La comunicación y el cambio de los métodos de trabajo en la era digital

La innegable revolución de las comunicaciones que trajo aparejada la masificación Internet, no puede ser pasada por alto a la hora tanto de optimizar los tiempos de entrega de trabajos, como la de comercializar nuestras obras a todo el mundo, a través de sitios personales, agencias de publicidad, bancos de imágenes, etc. en todo el mundo. Lo que abre las puertas a un mercado prácticamente sin límites para un profesional integralmente preparado para los desafíos de los tiempos que corren.

La importancia de investigar los adelantos tecnológicos e invertir en equipamiento de calidad

Tenemos que ir inculcando al alumno afición más acentuada en la investigación e información sobre nuevos equipos y materiales con la correspondiente información de sus sistemas y/o componentes que van ingresando al mercado técnico para su adiestramiento y correcto uso. Esto no quiere decir que cada lunes salga a comprar la última cámara que vio en una revista especializada. Pero si tendrán que estar al día con la información de estos elementos y equipos que serán herramientas principales en sus futuros trabajos.

Profesionales multidisciplinarios: El conocimientos básico sobre electrónica, computación, etc., enriquecerán su inspiración creativa y con técnicas excelentes, lograrán resultados meritorios.

La autocrítica

Ser estrictamente autocrítico con el resultado de sus trabajos, porque esta conducta los llevará a perfeccionamientos, cualidad esta, reconocida por clientes y colegas.

Tratar siempre de poner en el trabajo, todo su saber y experiencia, aunque en ella vaya mucho esfuerzo y tiempo de realización en aras, repito, de una excelencia y meritoria reputación.

Todo lo que somos, intelectual y espiritualmente, social e individualmente, nuestro bagaje cultural, nuestra historia personal, nuestras aficiones y rechazos, se verán reflejas en nuestras Fotografías.
                

Autor: Willimburgh, Alfredo

Fuente: Lo que el mercado laboral exige de un profesional | FOP

Sobre tendencias, modas y creatividad en fotografía publicitaria

Cita

Mensaje a los creadores

¿Por qué seguir sosteniendo modelos estéticos que no “nos pertenecen/representan”? ¿Por qué tener como referencia a lo que “creemos” que es lo mejor de lo editorial de, por ejemplo: Vogue? ¿Por qué creer que no es posible crear desde acá –desde nuestra cultura y valores– una mirada que podamos sostener orgullosos para mostrar y decir: “esta es nuestra moda que ponemos al juicio de ustedes, los otros de otros lugares del mundo, distintos y válidos; ustedes y nosotros en “autenticidad”?.
¿Vamos a generar moda de una vez por todas o vamos a seguir copiando “mandatos” de quienes no mandantan sino buscan moda y tendencias?
¿Acaso no diseñamos originalmente desde nuestros propios códigos estéticos?
¿Por qué seguir “copiando” entonces?

Preguntas que son llamados a la acción…

Sobre la formación de un fotógrafo profesional

Busco y encuentro en la Web sobre el tema: “un fotógrafo profesional es un creativo con buen manejo de las herramientas y nociones técnicas, con una fuerte capacidad expresiva emocional, y capaz de captar la realidad tal cual es o crear nuevas realidades a partir de lo existente. Además, el fotógrafo es un profesional con conocimiento conceptual y científico del funcionamiento de la cámara y la luz, con conocimiento técnico de las herramientas que utiliza para un desempeño fluido en su trabajo”. Si bien no es textualmente lo que encontré es un punto de partida.

Hay allí dos temas recurrentes a la hora de definir el tema. Esa fuerte capacidad expresiva emocional es algo que no puede adquirirse por horas de cursada, y captar la realidad tal cual es no es posible. Para la R.A.E. –hummm– una profesión es ” Empleo, facultad u oficio que alguien ejerce y por el que percibe una retribución”. Todo esto hace ruido. Personas con capacidad emocional expresiva podemos encontrar en un partido de fútbol y que perciban una retribución por lo que hacen en cualquier sitio donde se trabaje de manera remunerada.

Un profesional es, a mi entender, quien es capaz de cumplir en tiempo y forma con un servicio pactado contractualmente. Te entregaré mi servicio en las condiciones, fechas y por el monto que te detallo, sintetiza bastante bien lo que hace un profesional. Que lo haga mejor o peor ya es un tema que involucra a quien lo contrata. En la Web de la FOP (Asociación de Fotógrafos Publicitarios de Argentina) pueden ver esta caracterización del perfil del fotógrafo publicitario, la más completa de las áreas de la fotografía profesional:

“Un fotógrafo publicitario es aquel que cuenta con los conocimientos teóricos, técnicos y prácticos, y los necesarios para poder coordinar a un equipo de trabajo en las distintas situaciones laborales vinculadas a un proyecto Publicitario que le permiten desarrollar una imagen fotográfica de calidad para la posterior preparación y entrega de un trabajo encomendado.”

Como responsable de la creación y producción de imágenes para la comunicación publicitaria, este profesional de la fotografía debe contar con una formación lo más amplia posible. Que abarque aspectos técnicos, culturales, éticos y comerciales, que hagan de él un fotógrafo capaz de desenvolverse con jerarquía en el medio publicitario de nuestro país. Ver aquí.

¿Es posible formarse informalmente?

Sí es posible a condición de ser serio, autocrítico y paciente a la hora de plantearse ser fotógrafo, en cuanto a lo técnico fotográfico se refiere. Otros conocimientos necesarios para ser profesional (contabilidad, ética, moral, protocolo, p. ej.) no se adquieren en manuales de fotografía. Como en cualquier otro campo nada se consigue sin esfuerzo y perseverancia. El formarse sin la tutela de especialistas serios implica un compromiso doble: ser parte y juez no es lo ideal pero no es imposible.

Si afirmo esto es simplemente porque así me formé yo mismo y eso me permite opinar al respecto. Cabe aclarar que no me otorgo, por lo antedicho, un título que no tengo. Tener un título es un aval institucional pero no garantiza que el título sea todo; al mismo se suman la experiencia y reputación en todo quehacer profesional.

Mis comienzos

Cuando comencé con la fotografía no se encontraba fácilmente de dónde aprender por cuenta propia (mi formación es autodidacta). Existían libros que, para ese entonces y por mi situación económica, eran francamente incosteables; parecían o prometían ser verdaderas biblias del conocimiento sagrado de los grandes y consagrados fotógrafos, plagados de consejos y “trucos” para hacer fácil y económico lo que otros lograban con costosos equipos. Mucho más tarde supe que, los mismos que enseñaban a hacerlos sin estos, sí las tomaban con costosos equipos.

De mis primeras fotos a los 12 años con una Kodak Brownie Fiesta 3.

Poco a poco, habiéndome convertido –yo mismo sin verlo– en un fiel más de este culto solar tardío (el culto a la luz), comencé a interiorizarme de los contenidos de cursos y de los temas de los índices de estos libros. Por si alguien no lo advirtió me estoy refiriendo a los años entre mediados de los 70’s y 80’s, momento en que no existía la Internet ni era pensable que tal cosa existiese como hoy la conocemos. Si bien leíamos artículos sobre el advenimiento inminente de la sociedad de la información, uno no parecía ser tocado o afectado por tal futuro; mucho menos aun por la posibilidad de que la fotografía cambiara tal como la conocíamos.

La manera tradicional de formarse dentro de la fotografía y sus inextricables vericuetos, propios de genios tocados por una varita mágica, era concurrir a los cursos de los fotoclubes, algo en lo que pensé muchas veces. Luego supe que muchos de los que yo admiraba y así habían comenzado más pronto o más tarde dejaron ese ámbito.

Así las cosas me dediqué a comprar cuanto libro de ocasión encontré (muchos muy antiguos y desactualizados) y decidí comprar la única revista que, en mi opinión, se dedicó a la enseñanza de la fotografía en Argentina por entonces, la revista “Fotobjetivo”. Aun conservo la colección completa –creo– ya que posteriormente compré los primeros números que me faltaban.

A todo esto la realidad es que, aunque conocía muy bien cómo era una cámara réflex, gracias a practicar cuando podía con cámaras de amigos –”dejame hacer unas fotos” era mi pedido directo– no tenía una cámara propia.

Así pasé a devorar cada número mensual. En menos de una hora leía hasta las publicidades, tal era mi necesidad de aprender. Muchas veces sentí interiormente que jamás sería uno de esos genios que admiraba y estuve a punto de desistir pero no me di por vencido jamás. Poco a poco empecé a ver que mis errores eran menos o, al menos, podía entender cuál había sido el error; entonces volvía a leer sobre el tema en cuestión, para lo que ya había comenzado a elaborar un fichero temático sobre cada tema y dónde poder leer sobre el mismo.

Pasé así unos tres años, mientras empezaba a hacer algunos trabajos por encargo, de fotografía social y de teatro. Pero mi obsesión técnica me llevaba a pensar que mis fotos no eran buenas –no tenía un mentor– hasta que un día, sorprendido, un amigo me dijo: – pero vos sos buen fotógrafo. Al día siguiente compré una lámpara, la monté donde pude y tomé un rollo entero. Ahí apareció mi primera foto, la primera foto de la que pude decir “esto es lo que quería hacer”.

Mi primera foto lograda.

Mi primera foto lograda.

Sobre cursos de fotografía profesional

Todo lo que se puede aprender es hoy accesible

Internet es la gran red de información en todos los campos del saber y crece incesantemente. Pero ¿tal crecimiento en cantidad lo es en calidad? No, al punto que es más probable encontrar con facilidad verdaderos disparates –copiados y pegados– como leyes del saber fotográfico que serios conocimientos puestos a disposición de todos, pero estos últimos existen a condición de que se los busque adecuadamente.

¿Y dónde se encuentran?

Cuando pensamos en adquirir conocimientos serios sobre un tema o campo de interés, las mejores fuentes son las instituciones y organismos relacionados al tema en cuestión; información técnica de fabricantes de dispositivos y productos, institutos normalizadores (como ISO, ANSI, IEC, ICC, etc). En el caso de la fotografía son fuentes de primera mano. Toda fuente de de otro tipo puede incluir errores conceptuales (este mismo blog por ejemplo), tanto más cuanto más esté orientada a un fin distinto del que nos ocupa: adquirir conocimientos sólidos y académicamente sustentados.

Desde hace ya largo tiempo, mientras aumenta sin freno el desarrollo de dispositivos de toma de imágenes basados (o supuestamente) en el proceso fotográfico y se populariza su uso, aparecen más y más cursos, talleres y completas carreras, algunas con titulación de nivel terciario.

El auge es tal que, mientras escribo esto, una búsqueda sobre “curso de fotografía” en Google arroja cerca de 14,2 millones de resultados, y unos 9,5 por “carrera de fotografía” (busquen ustedes mismos en Google). Paralela y sorprendentemente la tendencia de búsqueda ha disminuido, según Google Trends, desde su pico máximo, valor 100 en setiembre de 2004 (fecha del inicio de este análisis de Google), a un valor casi cercano al mínimo: valor 9 para julio 2014, encontrándose hoy en un valor provisorio de 18 (junio 2015).

Aun con todos estos datos –tema de análisis para especialistas– no creo que esta tendencia a la baja represente una baja en el interés acerca del formarse como fotógrafo. Por un lado tenemos la masificación de la fotografía y por otro las estadísticas. Sin dudas es más fácil encontrar dónde formarse, pero la oferta es inabarcable. A más personas involucrándose con el formarse como fotógrafos, más oferta en términos comerciales, más inversión en posicionamiento en buscadores por parte de escuelas e instituciones educativas, más difusión por redes sociales, más referencia directa (boca a boca), etc.

Sin embargo, casi la mayoría de quienes me consultan dónde deberían estudiar, expresan una preocupación creciente en términos de calidad de contenidos y precios de los cursos y carreras existentes.

¿Qué te interesa a vos aprender y de qué forma? Agradezco que me dejes tu opinión como comentario. Nos leemos…

Sobre el retoque fotográfico y la fotografía de moda

¿El retoque fotográfico nació con la era digital?

El retoque fotográfico es tan antiguo como la fotografía misma. Solo la ética de su utilización ha generado polémicas desde siempre, no su uso y esta historia continua.

La fotografía es un registro imperfecto de la realidad y la realidad es como es. La perfección es percibida desde un ideal, no es real. Entonces ¿cuál es el punto de ese ideal? Referido al retoque, o edición fotográficos, no tiene límite ni es posible ponérselo pues preexiste una confusión entre calidad y perfección como si se tratase de sinónimos.

Entonces: ¿hace falta retocar o editar una fotografía?

Desde la aparición de la fotografía numérica (digital) tal como la conocemos hoy, la edición es necesaria al punto que, lo que vemos en una pantalla o display (analógica), sea la de la propia cámara o de otro medio de visualización, es una edición de la información captada por la cámara. Entonces el retoque es una opción y no una necesidad, pues modificar contraste, saturación o nitidez es solo una decisión visualizada (subjetiva) sin criterio técnico y solo puede ser juzgada como adecuada en su destino final, suponiendo que al hablar de fotografía profesional esta será impresa en algún formato gráfico, por ejemplo.

¿Es necesario el retoque en la fotografía de moda?

retoque fotografico edicion

© Para fotógrafo y retocador desconocido (*)

No lo es rotundamente. Si se entiende a la fotografía de moda como la realizada por un profesional de la fotografía para un fin profesional editorial. La decisión de contar con modelos con naturales imperfecciones y la visibilidad fotográfica de estas, ya no dependen del fotógrafo sino del medio editorial.

La tendencia a un ideal de belleza física que impera, no es un tema fotográfico sino estético y cultural por lo tanto. Si un fotógrafo profesional realiza tomas con modelos que no responden a ese ideal estético, ha de saber por qué lo hace ya que responde a un servicio que le es encargado por un cliente (la editorial).

Pero entonces ¿es cuestionable el trabajo de un retocador?

Absolutamente no. Existen profesionales del retoque que hacen maravillas, como vemos en el video de este post; quienes, para colmo, son considerados como habilidosos del uso de herramientas profesionales (idea que leí por ahí) ¿Acaso el uso de una herramienta profesional no es propio de un profesional? El profesionalismo de los retocadores (habilidad para algunos) crece proporcionalmente al aumento de la cantidad de fotógrafos que no lo son, pues no saben nada de fotografía; cuestión en la que también están involucrados los editores (los de las empresas editoriales) por su falta de conocimientos y su desvelo por la perfección marketinera .

¿No estamos yendo demasiado lejos en lo que concierne al retoque en fotografía de moda?

A esta pregunta que algunos se hacen la respuesta definitiva es sí, solo por haber cometido el pecado original: retocar lo justo y necesario, frase propuesta hace años por los que ahora se cuestionan tal resultado.

vía Time-Lapse 6 Hours of Retouching in 90 Seconds – YouTube.

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(*) Nota: mis disculpas a sus autores, esta imagen es de dominio público de acuerdo a la políticas de la web y no me fue posible encontrar su original.

Sobre una imagen espantosa en el sitio ZEISS International

Cita

Me sorprende ver que, en sitios como el de la afamada marca Carl Zeiss, se utilicen “imágenes” que en nada se puede aproximar siquiera a un ejemplo de la calidad de la óptica promocionada: el Distagon T* 2/25.

El consumo de imágenes aumenta tan exponencialmente como el descuido de aspectos antes “sagrados” en la era “gráfica”. Todo esto en desmedro de la correcta educación visual (cultura) que se preconiza, sin ton ni son, como pilar de una nueva era: “la de la comunicación” y en desmedro de la profesión fotográfica.

Sería más que importante que los responsables de comunicar por medio de la imagen, se esfuercen en utilizar la tecnología con profesionalismo.

¿Qué les pasa a los editores web? Tal vez sea que total sirva para un smartphone…

_______________________________________
Distagon T* 2/25High-Speed Lens Impressive
photographs captured in low light always begin with a fast lens for a
system or SLR camera. Because, a fast, high-performance lens captures as
much light as possible. And a lens with a large maximum aperture leads
to the best results when shooting in unfavourable light.

vía
Distagon T* 2/25 | ZEISS International
.

Distagon T* 2/25

Cómo medir la luz

Como medir la luz en fotografia Daniel Medina Fotografia Profesional fotometria

Para ser un buen fotógrafo es bueno saber utilizar las herramientas apropiadas y es indispensable para ser un buen profesional. Aprendé y usá las herramientas apropiadas.

Como medir la luz en fotografia Daniel Medina Fotografia Profesional fotometria

Herramienta apropiada para medir la exposición necesaria. Hay otras marcas y modelos. Los más caros son los mejores indiscutiblemente. Se llama fotómetro o exposímetro, para flash y/o luz continua. Los hay que miden la luz que refleja un objeto y los que miden la luz que incide sobre el objeto (como en la foto de ejemplo).

Glass Plate Negatives | Negativos en placa de vidrio

negativo de placa

Frida Kahlo y Diego Rivera

No existía tal cosa como “apuntar y disparar” durante el primer siglo y medio de la fotografía. Hasta la mitad del siglo 20, el fotógrafo tuvo que ejercer un gran esfuerzo físico, atención y tiempo para obtener una sola imagen.

Antes de los negativos con base de plástico, las emulsiones fotográficas se hicieron sobre soportes de vidrio, a los cuales nos referimos como negativos en placa de vidrio.

Existían dos tipos de negativos en placa de vidrio: la placa al colodión húmedo, utilizada en la década de 1850, y la placa seca de gelatina de plata, utilizada desde la década de 1870. Ambos procesos son utilizados hasta hoy por los fotógrafos de arte.

A partir de la década de 1850, el colodión, un líquido inflamable, se extendía sobre un soporte de vidrio, o placa, luego se colocaba en un baño de nitrato de plata,

que convirtía el colodión en yoduro de plata fotosensible. Este proceso, incluyendo la exposición y el revelado, tenía que realizarse antes de la placa se secara.Los negativos de placa de vidrio seca aun existentes son extremadamente frágiles, requieren condiciones especiales de conservación y manipulación por personal capacitado.

La biblioteca de foto de la Associated Press, que actualmente se encuentra en la ciudad de Nueva York, se compone de más de 5 millones de imágenes, incluyendo impresiones, formato medio, 35 mm y negativos de vidrio. La biblioteca cuenta actualmente con alrededor de 4.000 negativos de placa de vidrio seca en su colección, la mayoría datadas alrededor de 1929-1934. Cuenta con una variadad de tamaños desde 2 × 3, 4 × 5, hasta 5 × 7 pulgadas.

Fuente: Archivist’s Update: Glass Plate Negatives | AP Images Blog.